Familia de Carlos IV

Es un retrato colectivo pintado en 1800 por Francisco de Goya. Actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid.

Los retratos de Goya me llaman la atención ya que muestra la personalidad de la persona en su expresión por ejemplo si era una persona alegre, seria o triste, por otro lado es muy admirado ya que manejó varios estilos y se adelantaba al resto de los pintores en cuanto al uso de los diferentes estilos. Me llama la atención también la firma que deja en este cuadro retratándose el mismo en las sombras.

En este cuadro se muestra perfectamente la expresión de los personajes pintados según como el conocía a la persona. Para finalizar una curiosidad es la mujer sin rostro al lado de Fernando VII, en esta mujer Goya plasmó a la futura esposa de Fernando VII que al no conocerla la pintó sin rostro.

La escuela de Atenas

"La escuela de Atenas" (La scuola di Atene) un fresco hecho por artista italiano, Rafael Sanzio, entre los años 1509-1510, se halla actualmente en el Estado Pontífice.

Este fresco llama tanto la atención, no solo por ser Renacentista, sino por la cantidad de detalles que encontramos en él relacionados con la filosofía, la ciencia, las matemáticas y la historia.

Aquí aparecen personajes, que el artista considera importantes, admira y han marcado la historia, encontramos a Averroes, Pitágoras, Alejandro Magno, Parménides, Sócrates, Heraclito (Que en realidad ha sido pintado como Miguel Ángel, según fuentes, Rafael quedo tan sorprendido despues de ver la Capilla Sixtina que lo incorporo al fresco), Platón sosteniendo la Ética (pintado como Leonardo da Vinci), Aristóteles sosteniendo el Timeo, Diogenes el cínico, Arquímedes y lo más sorprendente teniendo en cuenta la época, una mujer, la cual se gano el reconocimiento en un mundo aún solo de hombres, la famosa Hipatia.

Además en todo el cuadro, podremos encontrar la divina proporción, propia del renacimiento.

Me gusta este fresco, por los detalles que ha tenido con los personajes, especialmente con Hipatia. Además, en el fresco se nota una atmósfera que te llama la atención y que me hace más interesante el cuadro.

El grito de Munch

El grito es un cuadro pintado por Edvard Munch pintado en Noruega en 1893. El cuadro se encuentra en la galeria nacional de Noruega.
Esta obra esta hecha en óleo, temple y pastel sobre cartón (expresionismo).
Las extensiones son 89cm x 73'5cm.

Personalmente, me gusta este cuadro porque en él se refleja perfectamente el expresionismo, exalta la representación de los sentimientos.
Me produce una sensación de alegría por como está pintado y esos colores realistas lo hacen mucho más interesante.
Desde mi punto de vista este cuadro es mi favorito porque es el único que me despierta alegría al verlo es el único cuadro que puedo llegar a creerme.

Retrato de Marylin Monroe, Andy Warhol

Se trata de un retrato de Marylin Monroe, nacida como Norma Jeane Mortenson  y bautizada como Norma Jeane Baker, fue una actriz de cine, cantante y modelo estadounidense. Con el paso del tiempo, llegó a ser una de las actrices más famosas de Holliwood y de los principales símbolos sexuales de todos los tiempos.

Fue pintado por Andry Warhol un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
 
Bajo mi punto de vista en este cuadro el autor ha querido resaltar la sexualidad que tiene por naturaleza la actriz, personalmente me gusta este cuadro por el colorido que hace incluso en algunos de los apartados del cuadro parezca incluso otra mujer diferente

Esta mujer es mundialmente conocida por su gran capacidad de llamar la atención y de ser sexy sin tener la intención de serlo.

El Beso, Gustav Klimt, 1907-08

El beso es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida. Es un óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.
Se trata de una de una representación simbólica en que Apolo besa a Dafne que se esta convirtiendo en laurel.
La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de flores. Ese prado finaliza de forma brusca y quiere situar a los amantes al borde del precipicio.
El  vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio.
El elemento más extraño es el precipicio, símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre, intentando evitar el dominio masculino,

Bajo mi punto mi vista y por lo que me llama la atención este cuadro es por lo extremista que es, ya que están representando el amor y a la vez lo arriesgado de estar en el borde del precipicio, casi sin importarles el riesgo.

La noche estrellada, Vincent van Gogh,1889

 

La noche estrellada es una obra maestra del pintor neo-impresionista, Vicent Van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889.

Este cuadro no es realista, ya que un cielo nunca puede estar así, con cometas girando, creando remolinos de luz y un pueblo de este manera dibujado. La luz que utiliza Van Gogh es diferente a la empleada hasta esos momentos. Las líneas de los contornos están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo. Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista.

Desde mi punto de vista pienso que este cuadro es diferente a la manera de pintar más común que había en ese momento y que hace ver la realidad de una manera diferente y desde otra perspectiva.

“Lluvia, vapor y velocidad”. Joseph Mallord William Turner, 1884

Turner fue un pintor inglés especializado en paisajes. Es conocido comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un antecedente romántico al impresionismo.

Esta obra de arte es también conocida como “El gran ferrocarril del oeste”, y la imagen está localizada en el puente Maidenhead Railway Bridge, sobre el río Támesis entre Taplow y Maidenhead. La vista está tomada hacia Londres y el puente que se contempla a la izquierda es el de la calle Taylor

Turner mezcla el símbolo de la Revolución industrial con la naturaleza, lo que muestra la etapa en donde estos se estaban adaptando a la sociedad como un conjunto. Es uno de mis cuadros favoritos puesto que los colores utilizados son muy claros y transmiten sensaciones de frescura, relajación y paz, típicas de un día de lluvia. Además el juego de colores que ha utilizado Turner hace el que cuadro desprenda una luz de gran intensidad que me hace deducir que aunque este lloviendo y haya nubes, el sol sigue brillando, ya que se filtra por estas.

La atmosfera del cuadro es irreal pues se funden todos los colores; aquí se mezclan el humo del tren, la lluvia, el agua del rio y la neblina, pero a pesar de este clima de siluetas se logra distinguir los objetos, esto hace que se cree un mundo como de fantasías o similar a cuando tenemos un vago recuerdo o un sueño.

Finalmente, he escogido esta pintura porque el contraste que tiene de velocidad y armonía hace que el tiempo sea aun más relativo de lo que es ya, es decir, para las personas que van dentro del tren es un momento de velocidad y emoción, en el que no se aprecia lo sublime del lugar por el que está pasando; mientras que para una persona que ve desde fuera la locomotora seria como ver pasar una estrella fugaz en un paisaje donde parece que el tiempo se ha detenido.