viernes, 1 de junio de 2012

La Danza de matisse

La danza es un cuadrop de Henri matisse expuesto en el museo del hermitage de San Petersburgo, Rusia.

 Es un cuadro que personalmente me gusta porque como ya he dicho en mis comentarios anteriores, me encanta los cuadros con colores vivos y expresivos. Ademas esta obra de arte creo que quiere expresar valores como la amistad y la solaridad ya que todas las personas estan agarradas de la mano, queriendo decir que las personas estamos unidas de una manera u otra, y que entre todos tenemos que ayudarnos en la medida que podamos.

Respecto a la técnica utilizada es algo abstrasta porque no termina de definir los cuerpos de las personas ni el limite entre el cielo y las montañas.

En mi opinion es un cuadro que puede cambiar el estado de animo de cualquier persona imponiendo la felicidad y el optimismo.

El beso,Robert Doisneau, 1950




Para empezar, yo no voy a hablar sobre la pintura ya que personalmente no me gusta mucho. Por eso voy a hablar de la fotografía, porque creo que no solo debe estar valorizado el arte tradicional como por ejemplo el de "Velazquez", sino que el arte es muy complejo y algo muy insignificante a una persona le puede hacer sentir muchisimas cosas ¿y porque no puede ser eso arte?

Esta fotografía me gusta mucho porque a parte de parecerme muy bonita creo que sabe sacar el momento exacto en el que un simple beso puede paralizar todo lo que gira a tu alrededor y hacerte sentir único en el mundo...

Eso es capaz de hacerlo el amor y este sentimiento es tan propio del ser humano como el respirar y realmente creo en el amor verdadero que: ¿porque no va a poder vencerlo todo?

Como todo sentimiento humano en la vida o como en este caso un simple beso, puede adquirir el significado que cada uno quiera darle. Esto también depende de cada persona pero para mi la fotografía representa los momentos en la vida que se deben disfrutar y recordar sin depender de nada ya que algún día solo nos quedara el recuerdo de lo vivido y no encuentro otra forma mejor de basar tus recuerdo que en tu propia felicidad.


Espero que os guste mi foto y mi comentario...
Besos :)

jueves, 31 de mayo de 2012

Familia de Carlos IV


Es un retrato colectivo pintado en 1800 por Francisco de Goya. Actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid.

Los retratos de Goya me llaman la atención ya que muestra la personalidad de la persona en su expresión por ejemplo si era una persona alegre, seria o triste, por otro lado es muy admirado ya que manejó varios estilos y se adelantaba al resto de los pintores en cuanto al uso de los diferentes estilos. Me llama la atención también la firma que deja en este cuadro retratándose el mismo en las sombras.

En este cuadro se muestra perfectamente la expresión de los personajes pintados según como el conocía a la persona. Para finalizar una curiosidad es la mujer sin rostro al lado de Fernando VII, en esta mujer Goya plasmó a la futura esposa de Fernando VII que al no conocerla la pintó sin rostro.

viernes, 25 de mayo de 2012

La escuela de Atenas


"La escuela de Atenas" (La scuola di Atene) un fresco hecho por artista italiano, Rafael Sanzio, entre los años 1509-1510, se halla actualmente en el Estado Pontífice.

Este fresco llama tanto la atención, no solo por ser Renacentista, sino por la cantidad de detalles que encontramos en él relacionados con la filosofía, la ciencia, las matemáticas y la historia.

Aquí aparecen personajes, que el artista considera importantes, admira y han marcado la historia, encontramos a Averroes, Pitágoras, Alejandro Magno, Parménides, Sócrates, Heraclito (Que en realidad ha sido pintado como Miguel Ángel, según fuentes, Rafael quedo tan sorprendido despues de ver la Capilla Sixtina que lo incorporo al fresco), Platón sosteniendo la Ética (pintado como Leonardo da Vinci), Aristóteles sosteniendo el Timeo, Diogenes el cínico, Arquímedes y lo más sorprendente teniendo en cuenta la época, una mujer, la cual se gano el reconocimiento en un mundo aún solo de hombres, la famosa Hipatia.

Además en todo el cuadro, podremos encontrar la divina proporción, propia del renacimiento.

Me gusta este fresco, por los detalles que ha tenido con los personajes, especialmente con Hipatia. Además, en el fresco se nota una atmósfera que te llama la atención y que me hace más interesante el cuadro.

El grito de Munch






El grito es un cuadro pintado por Edvard Munch pintado en Noruega en 1893. El cuadro se encuentra en la galeria nacional de Noruega.
Esta obra esta hecha en óleo, temple y pastel sobre cartón (expresionismo).
Las extensiones son 89cm x 73'5cm.

Personalmente, me gusta este cuadro porque en él se refleja perfectamente el expresionismo, exalta la representación de los sentimientos.
Me produce una sensación de alegría por como está pintado y esos colores realistas lo hacen mucho más interesante.
Desde mi punto de vista este cuadro es mi favorito porque es el único que me despierta alegría al verlo es el único cuadro que puedo llegar a creerme.


Retrato de Marylin Monroe, Andy Warhol

Se trata de un retrato de Marylin Monroe, nacida como Norma Jeane Mortenson  y bautizada como Norma Jeane Baker, fue una actriz de cine, cantante y modelo estadounidense. Con el paso del tiempo, llegó a ser una de las actrices más famosas de Holliwood y de los principales símbolos sexuales de todos los tiempos.

Fue pintado por Andry Warhol un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
 
Bajo mi punto de vista en este cuadro el autor ha querido resaltar la sexualidad que tiene por naturaleza la actriz, personalmente me gusta este cuadro por el colorido que hace incluso en algunos de los apartados del cuadro parezca incluso otra mujer diferente

Esta mujer es mundialmente conocida por su gran capacidad de llamar la atención y de ser sexy sin tener la intención de serlo.

jueves, 24 de mayo de 2012

El Beso, Gustav Klimt, 1907-08

El beso es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida. Es un óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.
Se trata de una de una representación simbólica en que Apolo besa a Dafne que se esta convirtiendo en laurel.
La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de flores. Ese prado finaliza de forma brusca y quiere situar a los amantes al borde del precipicio.
El  vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio.
El elemento más extraño es el precipicio, símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre, intentando evitar el dominio masculino,

Bajo mi punto mi vista y por lo que me llama la atención este cuadro es por lo extremista que es, ya que están representando el amor y a la vez lo arriesgado de estar en el borde del precipicio, casi sin importarles el riesgo.

La noche estrellada, Vincent van Gogh,1889


La noche estrellada es una obra maestra del pintor neo-impresionista, Vicent Van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889.

Este cuadro no es realista, ya que un cielo nunca puede estar así, con cometas girando, creando remolinos de luz y un pueblo de este manera dibujado. La luz que utiliza Van Gogh es diferente a la empleada hasta esos momentos. Las líneas de los contornos están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo. Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista.


Desde mi punto de vista pienso que este cuadro es diferente a la manera de pintar más común que había en ese momento y que hace ver la realidad de una manera diferente y desde otra perspectiva.

“Lluvia, vapor y velocidad”. Joseph Mallord William Turner, 1884



Turner fue un pintor inglés especializado en paisajes. Es conocido comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un antecedente romántico al impresionismo.

Esta obra de arte es también conocida como “El gran ferrocarril del oeste”, y la imagen está localizada en el puente Maidenhead Railway Bridge, sobre el río Támesis entre Taplow y Maidenhead. La vista está tomada hacia Londres y el puente que se contempla a la izquierda es el de la calle Taylor
Turner mezcla el símbolo de la Revolución industrial con la naturaleza, lo que muestra la etapa en donde estos se estaban adaptando a la sociedad como un conjunto. Es uno de mis cuadros favoritos puesto que los colores utilizados son muy claros y transmiten sensaciones de frescura, relajación y paz, típicas de un día de lluvia. Además el juego de colores que ha utilizado Turner hace el que cuadro desprenda una luz de gran intensidad que me hace deducir que aunque este lloviendo y haya nubes, el sol sigue brillando, ya que se filtra por estas.
La atmosfera del cuadro es irreal pues se funden todos los colores; aquí se mezclan el humo del tren, la lluvia, el agua del rio y la neblina, pero a pesar de este clima de siluetas se logra distinguir los objetos, esto hace que se cree un mundo como de fantasías o similar a cuando tenemos un vago recuerdo o un sueño.

Finalmente, he escogido esta pintura porque el contraste que tiene de velocidad y armonía hace que el tiempo sea aun más relativo de lo que es ya, es decir, para las personas que van dentro del tren es un momento de velocidad y emoción, en el que no se aprecia lo sublime del lugar por el que está pasando; mientras que para una persona que ve desde fuera la locomotora seria como ver pasar una estrella fugaz en un paisaje donde parece que el tiempo se ha detenido.

viernes, 18 de mayo de 2012

El beso V, Lichtenstein, 1964

Este cuadro se titula "El beso" pintado en el año 1964 por Roy Lichtenstein que fue un pintor estadounidense de arte pop, arte gráfico y escultor.

El cuadro representa a un hombre y una mujer dándose un abrazo y la mujer aparece llorando en los brazos de un hombre. Probablemente el hombre no se merezca ser querido por la situación de la foto.

También los colores son muy cálidos y fuertes que hacen que el cuadro tenga más belleza y tenga el parecido de un cuadro muy moderno.







La persistencia de la memoria, Salvador Dalí, 1931

 


La persistencia de la memoria es un cuadro pintado en 1931 por el famoso pintor Salvador Dalí.

Es una de sus obras más representativas y con más misterio. En el periodo de tiempo en el que fue pintado, Dalí pasaba por un proceso de trancisión muy importante tanto en el terreno personal como con el creativo.

Para mí es un cuadro que muestra el paso del tiempo, que representa que según el momento en el que se viva el tiempo es menos o más duradero. Los colores son poco llamativos, pero lo suficiente para que le de la expresividad necesaria para que llame la atención.

Bajo mi punto de vista este cuadro tiene muchos significados y sentimientos ocultos, y que para descifrarlos hay que conocer la mentalidad del pintor.

Mery Puga

El Pelele de Goya, 1791


El pelele 1791 se pintó por Francisco de Goya, en el cual cuatro majas mantean a un pelele riéndose, representando a las mujeres como burladoras de los hombres. Es un cuadro de ejecución rápida. Los colores son luminosos. El estilo es en general, elegante y ligero, propio del siglo XVIII.
En mi opinión, este cuadro me parece bastante representativo de como era Goya, debido a que sus cuadros suelen ser muy realistas y reflejan fielmente la realidad que el notaba al ver el manejo del pelele.
Además, quiere resaltar la desigualdad entre hombres y mujeres de aquella época.



David con la cabeza de Goliat, Caravaggio, 1609-1610



Guernica, Pablo Picasso 1937


- Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española. En el cuadro aparecen numerosos símbolos que de izquierda a derecha son los siguientes: el toro, que simbolizaba la brutalidad y la oscuridad, la madre con el hijo muerto, la paloma, que generalmente se ha considerado como un símbolo de la paz rota, el guerrero muerto, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador, la bombilla, que se puede relacionar con el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas, el caballo, la mujer arrodillada, la mujer del quinqué, que se interpreta como una alegoría de la República, la casa en llamas, que simboliza el caos que se estaba viviendo en las ciudades, el hombre implorando, que es un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, y por último, la flecha oblicua, que simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos.
- Personalmente, creo que este cuadro refleja perfectamente la situación de descontrol que se estaba viviendo en ese momento en España, pues Picasso quiere resaltar el daño que provocó el ejército nazi, que aprovechó la situación de caos y destrucción de España que estaba sumida en la Guerra Civil, para realizar un ataque aéreo sobre la población civil de Guernica y así comprobar que todos los avances militares que habían experimentado eran efectivos para utilizarlos en la Segunda Guerra Mundial. Este ataque alemán pienso que se transmite mucho mejor a través de la bombilla, pues este elemento quiere decir que el progreso científico no sólo es para bien, sino que en algunas ocasiones como en este ataque, en el que Alemania utilizó el progreso para desarrollar las armas de guerra, este avance se puede transformar en una arma de devastación capaz de provocar numerosas muertos.
También, he de decir que aunque la obra trata sobre un episodio de la guerra civil española, su contenido se puede aplicar a cualquier acto bélico, pues en la mayoría de las guerras se dan situaciones como las que se describe en el cuadro.

Viajero en un mar de niebla, Friedrich 1818


Esta es una obra pintada por Friedrich en 1818. Pertenece al movimiento artístico el Romanticismo y como todos los cuadros de este pintor no es sólo un paisaje sino que además tiene un contenido simbólico. 
El autor parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos: al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas, o en lo alto de una cascada.
Tras distintos análisis realizados se llegó a la conclusión de que lo que el pintor trataba de mostrar no era una persona observando un paisaje, sino el paisaje en sí, es por eso por lo que dibuja a la persona de espaldas al público, con el fin de no desviar la atención que requiere esa imagen. Trató de mostrar lo pequeño que es el ser humano al lado de la inmensidad que es el mundo, no se observan límites algunos en el cuadro, ni horizontes ni nada fuera de la naturaleza, solo una perspectiva de la vida diferente, una sensación de incertidumbre por no saber que hay mas allá de lo que ves.
Cuando observo este cuadro me da por pensar en que pequeño es todo al lado de una vista así. Cuando te encuentras en un lugar donde tu vista no alcanza el horizonte, los problemas desaparecen y nada cobra valor, todo encoge y lo único que puedes percibir es el viento que mueve las nubes. Esa sensación que transmite a mí me reconforta. Es por eso por lo que este cuadro es mi favorito porque me recuerda esa sensación y me hace olvidar lo que no es importante.

Mar Viciana

jueves, 17 de mayo de 2012

Psiquiatra paciente, Kandinski







Este cuadro se llama "Psiquiatra paciente" y fue pintado por Kandinski, un gran pintor abstracto ruso, en 1926.

Esta obra es una de mis favoritas por varias razones. Una de ellas es su curioso origen, pues Kandinsky se inspiró en la trágica paradoja que sufrió su tío que fue médico psiquiatra y que acabó siendo paciente enfermo de esquizofrenia, en el mismo hospital donde un día trabajó. En mi opinión, creo que esa enfermedad es el tema del cuadro, lo que le inspiró y lo que quiere transmir.

Otra de las razones por la que me gusta mucho esta obra es la variedad de colores vivos sobre el fondo oscuro y los diferentes tamaños de los círculos.
Crean un efecto que me transmite locura, nerviosismo, exaltación, étc.

También puedo decir que "psiquiatra paciente" es uno de mis cuadros favoritos porque al ser abstracto deja lugar a la imaginación y a la libre interpretación.

Para finalizar, espero que os haya gustado mi comentario sobre esta obra, que os haya ayudado a comprenderlo mejor o en caso de no conocerlo, a saber de él.


 


viernes, 11 de mayo de 2012

Aquí comienza la andadura de este blog, donde los alumnos de 1º de Bachillerato del IES El Parador nos contarán cuáles son sus cuadros favoritos de la Historia del Arte y por qué. No vamos a encontrar análisis técnicos ni sesudos, pero sí descubriremos la sensibilidad, ingenua y salvaje a la vez de una mirada joven a los clásicos del Arte.

Esperamos que os interese.